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e-mail로 보낸 사진을 재가공하여 등록한 것입니다.
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일 시 |
2006.09.12.화~2006.09.28.목 |
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최병소論 - 소멸하며 태어나다 -
1. 한 장의 신문지로부터
한 장의 신문지가 놓여 있다.
남자는 신문을 ‘읽는’ 대신 잠잠히 바라보다가 볼펜으로 그 위에 빽빽하게 일직선을 긋기 시작한다. 끝을 알 수 없는 암흑 속으로 검은 활자들이 하나 둘 숨겨지고 지워지며 흰 여백조차 모두 사라질 때까지. 그리고는 말없이 연필을 손에 쥐고 그 위에 다시 선을 긋기 시작한다. 검은 흑연이 검은 볼펜 잉크를 완전히 덮다 못해 거의 헤진 걸레처럼 될 때까지 집요하면서도 초연하게.(그림1)
또 한 장의 신문지가 있다.
남자는 신문 활자들이 전해주는 내용에는 아무런 관심도 없는 채 무심히 그 위에 검은 먹을 칠한다. 먹칠로 두께감을 갖게 된 신문지는 또다시 무수한 연 필의 선들로 그어지고 그어져 흑연 덩어리가 된 채 봉투로 만들어진다.
2. 서구 모더니즘 담론의 뜨거운 이슈들
한 남자가 어느 날 선택한 신문지는 얇고 평평했다. 그러나 평평한 듯이 보였던 신문지는 무수한 볼펜 선과 먹물을 먹은 뒤 그어진 연필 선으로 인해 어느덧 기묘하게도 납작하게 눌린 흑연 덩어리가 되어 강렬하게 스스로의 물질성을 발하기 시작한다.
그 익명의 신문지는 이미 날짜와 보도기사를 모두 삭제 당해 레디메이드 예술로서의 위상도 상실했으며 사회성도 잃었다. 아마 남자 자신마저 신문지에 적힌 날짜와 내용을 기억하지 못할 것이며 기억할 필요도 느끼지 않았으리라. 중요했다면 기억하거나 적어놓았을 테니까. 아무튼 이제 그것은 자신의 존재성의 원천을 잃고 더 이상 평평하게 보이지도 않을 만큼 너덜너덜한 검은 물질이 된 채 찢긴 시체처럼 누워있다. 그런데 그 주검이 냉혹하리만치 끝없이 반복되었던 남자의 손길을 고스란히 간직하며 처연한 숭고함마저 내뿜는 까닭은 무엇일까?
2차원 회화의 평면성과 3차원 물질성의 문제, 레디메이드와 창조의 문제, 영원불변한 걸작(Masterpiece)과 1회적 행위성, 그리고 키치(Kitsch)와 예술적 숭고함의 문제는 모두 서구 모더니즘 담론의 뜨거운 이슈들이었다. 그러나 20세기에 점진적이고 변증적 과정을 거쳤던 서구의 모더니즘 논쟁들은 또 다른 문화권으로 넘어와 뒤섞이며 소화된 뒤 배설이라는 과정을 거치면서 제3세계의 작가들을 또 다른 문화 예술 형태로 자라게 해 왔다. 그것이 문화 차용(Cultural Appropriation)의 식이요법 과정이다.
그러니까 한국에서 한 남자가 신문지에 집요하게 선을 긋는 행위와 그것이 낳은 검은 물질의 의미들을 서구 모더니즘 논쟁에서 직접 잉태된 담론들에 재적용하는 일이란, 먹기 전의 음식물 형태와 맛과 냄새를 이미 소화된 배설물에서 재확인하려는 것과 같지 않은가.
문화 예술의 차용이란 섭취되는 음식물이 소화되고 배설되는 과정과 같으며, 그 양분으로 자라는 것은 ‘몸’이다.
그럼에도 불구하고 평면성과 물질성, 레디메이드와 행위, 긋기와 지우기, 그리고 숭고함을 작업 과정 중에 혼용하고 뒤섞으며 새로운 양태로 태어나곤 했던 한 남자의 고독한 작업은 한국에서 백색과 관련된 ‘모노크롬 회화(Monochrome Painting)’라고 불려왔을 뿐인 것 같다. 하나(Mono)의 색깔(Chrome)을 집중적으로 의미하는 서구의 담론적 언어로.
3. 1970년대 한국 단색조회화
한동안 한국의 미술계에서는 ‘모노크롬 회화’라고 불린 열풍 현상이 있었다. 예전에는 물론 최근까지도 1970년대에 앞서가는 한국미술을 대표(?)하는 독자성으로 높이 평가된 미술경향은 ‘모노크롬’이라고 일컬어지곤 했다. 한국현대미술의 전개, <사유와 감성의 시대:1970년대 중반-1980년대 중반>展, 국립현대미술관, 2002.11.21- 2003.2.2. 전시 및 전시 도록 참조, “…1970년대 중반에서 1980년대 중반까지 한국현대미술의 경향과 흐름을 한국미술의 국제적 조형성과 독자적 미의식을 창출한 모노크롬 미술을 통해 가늠해 보고자 <사유와 감성의 시대>전(2002)을 개최한다…”고 소개되어있다.
그러나 나는 개인적으로 1970년대 한국의 미술 경향으로서 ‘모노크롬 회화’ 특히 ‘백색 모노크롬’이라는 말을 사용하지 않고 있으며, (불가피하게나마) ‘한국 단색조회화(Monotone Painting)’라고 불러왔다. 그들은 하나의 시각적, 물리적인 색을 강조하는 대신 미묘한 색조(tone)를 드러내며 각각의 정신적인 의미들이 깊이 내포되어 있기 때문이다.
아무튼 한국 단색조회화의 시발점은 1975년 일본의 도쿄화랑에서 열린 <한국 5인의 작가 5개의 흰색 白>전이었다고 한다. <韓國 五人の作家-五つのヒンセク 白》展, 東京畵廊, 1975.5.6-6.24, 권영우, 박서보, 서승원, 이동엽, 허황이 참가한 전시의 개략적 내용은 김미경, 「1960-70년대 한국의 실험미술과 사회」, 이화여자대학교 박사학위 논문, 2000. 및 김미경, 『한국의 실험미술』, 시공사, 2003. 참조.
꽤 애를 쓰며 조사해 보니, 그것은 식민지 시대에 조선을 가엾게 여기며 사랑했다는 야나기 무네요시(柳宗悅)의 시각과 용어가 한국 미술계의 정체성을 가늠하는 기준이 되다시피 했던 기원이 있었다. 그 후 반세기가 지난 1970년대 일본의 비평가와 전시 관계자들이 2년가량이나 준비하고 한국에 와서 탐색을 한 뒤 발견한 것이 또 다시 ‘한국의 흰색’이었다. 김미경, 「素-素藝로 다시 읽는 한국 단색조 회화 : <한국․5인의 작가 다섯가지 흰색 白>展에 대한 고찰」,한국현대미술 다시읽기 Ⅲ, 국제 학술대회 발표논문, 홍익대학교 미술대학 조형관 103, 2002.11.23. 및 『한국현대미술 다시 읽기Ⅲ Vol.2』, ICS, 2003.에 수록된 같은 제목의 논문 참조.
애초에 그 전시 취지는 일본인들이 조선 백자에 대한 호감으로부터 시작 되어 지속적으로 발견하고자 했던 것처럼 ‘흰색’의 의미에 집중되어 있었던 것이다.
한편 계속되는 일본인들의 관심에 힘입어 2년 후 다시 도쿄에서 열린 <한국 현대미술의 단면전> <한국 현대미술의 단면전>(1977.8.16-8.28)은 도쿄 센트럴미술관(東京セントラル美術館)에서 열렸으며 김창열, 김기린, 권영우, 김구림, 김용익, 김진석, 박서보, 박장년, 서승원, 심문섭, 윤형근, 이강소, 이동엽, 이상남, 이승조, 진옥선, 최병소, 이우환, 곽인식 등 총 19명의 다양한 작가와 경향들이 포함되어 있었다.
은 조각과 회화 등 다양한 작가와 경향을 포함하고 있었음에도 불구하고 1975년의 도쿄화랑 전시에 이어 소위 한국인의 고유 미의식을 표방하는 ‘흰색’에 대해 조명했던 ‘제 2탄’으로 간주되어왔다.
그리고 1977년 <한국 현대미술의 단면전>에서 신문지로부터 검게 찢긴 물질(그림2)을 고독하게 탄생시키던 남자는 ‘백색 모노크롬 회화’라고 불린 회오리 열풍 속에서 말없이 침묵하고 있었다.
4. 평면성·물질성의 모더니즘 담론과 사회
1960-1970년대 신문지라는 레디메이드로 미술담론을 형성했던 작가 몇몇을 알고 있다.
모더니즘 회화의 평면성에 집중되었던 서구의 담론에서 3차원 세계에서 2차원 평면이란 가설일 뿐이라는 사실이 자각된 이후, 이탈리아의 아르테 포베라(Arte Povera) 작가인 루치아노 파브로(Luciano Fabro)가 바닥에 깔은 신문지(1967), 교토시미술관(京都美術館)의 <컨텍스트전>(Context exhibition)(1972)에 신문지를 깔아 놓았던 일본작가 가네자키 히로시(金崎博), 전시 기간동안 신문지의 기사 부분을 오려 여백 부분과 따로 쌓아놓았던(1974) 한국의 성능경 등이 떠오른다. 모두 문맥은 다르지만 평면성과 물질성의 문제 사이를 오가고 있었고, 성능경은 특히 유신시대의 사회에 대한 발언을 담고 있었다.
파브로와 가네자키 히로시가 회화의 평면성 문제로부터 3차원 공간 속의 물질의 문제로 넘어가던 첨예한 모더니즘 담론 논쟁의 소용돌이 속에서 신문지를 택했다면, 한국의 성능경은 두 칸의 투명 아크릴 박스에 내용을 전달해 주는 활자 부분은 모두 오려서 한쪽에 두서없이 담고 여백과 만화 부분이 남은 신문지는 차곡차곡 다른 한쪽에 담았다. 내겐 그것이 유신시대, 사회적 언어의 무의미함으로 비쳤고 작가는 내게 “역사의 현장에 있고 싶었다”고 말했다.
그런데 1970년대 겨울 공화국 한국에서 한 남자가 빼곡히 볼펜 선을 긋고 다시 연필 선을 한없이 너덜너덜해질 때까지 그어, 도저히 그 바탕이 신문지라는 흔적조차 알 수 없게 만들어버리는 행위. 그것은 예술의 사회사적 측면으로 볼 때, 신문의 기사 란을 오려서 구겨버렸던 경우보다 더욱 지독하고 처절한 저항으로 비친다. 사회적 소통으로서의 신문의 의미를 완전하게 말소하여 다른 존재로 만들어 버림으로써 철저히 무시하는 행위이기 때문에.
또한 그것은 모더니즘 이후 조형사적 측면으로 볼 때, 레디메이드로서의 평평한 신문지를 더 이상 2차원 평면으로 간주하지 않으며 이미 물질로서의 신문지에 더욱 물질성을 부과하고 강조하는 행위로 진행하는 셈이다.
이중구조. 그 하나는 1970년대 자신이 처한 유신 공화국의 사회 역사적 현실 속에서 언어 소통을 무화(無化)시킴으로써 고독하게 벌인 침묵의 시위이다. 또 하나는 문화 예술의 차용으로부터 소화와 배설 과정을 거쳐 자라는 ‘몸’의 구조로서 서구의 모더니즘 담론의 이슈들을 이 땅에서 혼성화하고 새롭게 태어나는 행위이다.
한 남자의 내적 이중구조는 1970년대 한국의 미술계와 또 하나의 외적 구조망과 중첩된다. 성장과 어둠이 교차했던 시대, 예술의 사회적 발언이 거의 용납되지 않았던 그 시대에 사회로부터 철저하게 유리된 채 한국 단색조회화의 아우라는 초월과 노장사상을 표방하며 예술계의 주도적 역할을 담당하고 있었던 까닭이다.
그 외적 구조와 자신의 내적 구조 틈새에서 소리 내어 외치지 않는 채, 무언가 속에서 치받치는 느낌을 억누르는 듯 침묵으로 시위했던 그의 행위가 내포했던 것으로 보이는 의미는 한국 단색조회화의 화려한 외침 가운데 묻혔다. ‘모노크롬 작가’라는 이름으로.
5. 다시
아주 오래된 풍화를 거친 양, 헤질 대로 헤진 채 듬성듬성 낡은 구멍들이 뚫려있는 모습. 매끈한 평면도 아니지만 입체적인 어떤 물체의 모습도 아니다. 도대체 그 정체가 무엇인지 알고 싶고 만져보고 싶으나 이미 여기저기 무너져 내려 살짝 손만 대도 부서질 듯, 사해에서 발견된 기원전 파피루스와 같은 역사를 간직하고 있는 듯하다.
또 그것이 예술이라면, 벽에 걸어야 할지 바닥에 놓아야 할지 공중에 매달아야 할지 난감할 뿐이다. 긋고 지운 흔적이 희미하게 남아 있어 회화라고 부르고 싶은 사람도 있겠지만 낡고 구겨진 검은 양철판 같은 그것이 어떻게 회화가 되겠느냐고 볼멘소리를 하는 사람도 있을 것이다. 한편 물질이긴 한데 도무지 양감(量感)이 느껴지지 않아 조각처럼 세울 수도 없으니 칼 앙드레(Carl Andre)의 구리판처럼 바닥에 놓아야 하나, 그런 마음도 들지만 발끝만 닿아도 부서질 그것을 전시장 바닥에 작품이라고 놓기도 난처하다.
이 정체를 알 수 없는 너덜너덜한 물질은 한 남자가 아주 오랜 시간에 걸쳐 손으로 작업한 것이다. 싸이 톰블리(Cy Twombly)처럼 몇 번 휘적거린 드로잉이 아니다. 자신이 무엇을 하고 있는지도 잊을 정도로 몰입되어, 혹은 딴 생각을 하며 하염없이 시간을 보낸 결과물이다. 때로는 유쾌하고 편안한 마음으로 했겠지만 때로는 고통과 울분과 한숨 속에서 그렇게 했을 것이다. 한 남자의 삶 속에 녹아서.
1970년대 한국의 사회적 정치적 상황은 지나간 역사가 되었고, 한국 단색조회화의 아우라 또한 역사의 한 페이지에 남았다.
그리고 이제 오랫동안 밀쳐두었던 신문지를 다시 대면하는 한 남자가 예술이라는 이름으로 그 위에 끝없이 긋고 지우는 행위를 다시 시작한다. 누군가의 설명 없이는 정체를 알기 힘든 허름한 물체를 탄생시키는 그 행위에서 우리는 지나간 역사 속의 아우라를 기억하지 않아도 좋다. 그 자체가 아무도 모를 한 고독한 남자의 오랜 시간들과 영혼의 깊이를 간직하고 있으며 우리의 눈과 정신에 그것은 투명하리만치 맑게 비치기 때문에.
그 남자는 대구에서 살고 있는 작가 최병소다.
1> 한국현대미술의 전개, <사유와 감성의 시대:1970년대 중반-1980년대 중반>展, 국립현대미술관, 2002.11.21- 2003.2.2. 전시 및 전시 도록 참조, “…1970년대 중반에서 1980년대 중반까지 한국현대미술의 경향과 흐름을 한국미술의 국제적 조형성과 독자적 미의식을 창출한 모노크롬 미술을 통해 가늠해 보고자 <사유와 감성의 시대>전(2002)을 개최한다…”고 소개되어있다.
2> <韓國 五人の作家-五つのヒンセク 白》展, 東京畵廊, 1975.5.6-6.24, 권영우, 박서보, 서승원, 이동엽, 허황이 참가한 전시의 개략적 내용은 김미경, 「1960-70년대 한국의 실험미술과 사회」, 이화여자대학교 박사학위 논문, 2000. 및 김미경, 『한국의 실험미술』, 시공사, 2003. 참조.
3> 김미경, 「素-素藝로 다시 읽는 한국 단색조 회화 : <한국·5인의 작가 다섯가지 흰색 白>展에 대한 고찰」,한국현대미술 다시읽기 Ⅲ, 국제 학술대회 발표논문, 홍익대학교 미술대학 조형관 103, 2002.11.23. 및 『한국현대미술 다시 읽기Ⅲ Vol.2』, ICS, 2003.에 수록된 같은 제목의 논문 참조.
4> <한국 현대미술의 단면전>(1977.8.16-8.28)은 도쿄 센트럴미술관(東京セントラル美術館)에서 열렸으며 김창열, 김기린, 권영우, 김구림, 김용익, 김진석, 박서보, 박장년, 서승원, 심문섭, 윤형근, 이강소, 이동엽, 이상남, 이승조, 진옥선, 최병소, 이우환, 곽인식 등 총 19명의 다양한 작가와 경향들이 포함되어 있었다. |
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전시개요 |
최병소 (1943년생) 선생은 70년대 일본의 무라마츠 화랑의 개인전과 도... |
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최병소 (1943년생) 선생은 70년대 일본의 무라마츠 화랑의 개인전과 도쿄 센트럴미술관, 도쿄 화랑 등에서의 영향력 있는 그룹 전시에 참여한 바 있다. 그는 당시 기존의 캔버스 대신 신문지 위에 연필과 볼펜으로 무수히 반복적인 긋기 지우기 작업을 통해 낡고 구겨진 검은 양철판 같은 독창적인 화면을 제시하였고 이를 통해 서구 모더니즘 담론의 이슈들을 자기화해냄과 동시에 유신체재에서 언어 소통을 무화시킴으로써 침묵의 시위를 보여주기도 했다.
그가 15년간(1981-1996) 휴지기를 보내고, 1996년부터 다시 시작한 신문지 작업 등 총 12점을 선보이게 될 이번전시는 오랜 시간과 영혼의 깊이를 간직한 작품을 통해서 오늘은 어떻게 이해될 수 있는지, 그리고 우리의 기억과 감정을 반추할 수 있는 계기를 마련해 준다. |
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